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Andrew Tyson

En este video, el pianista estadounidense Andrew Tyson interpreta la Gavotte de la Partita para Violín No. 3 de Bach, arreglada para piano solo por Rachmaninoff en 1933. Tyson sigue el liderazgo de Rachmaninoff y usa la música existente como un lienzo para ingeniosas voces y matices expresivos inesperados.<br><br>Esta mentalidad de compositor-arreglista sin inhibiciones asocia a Tyson con pianistas de la Era Dorada como Ignaz Friedman, quien también tenía un abrazo decidido de la libertad creativa mientras respetaba el espíritu esencial de la composición.

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Arie Vardi

En este video, Ben Laude se sienta con el pianista israelí Arie Vardi para discutir a Debussy. Laude profundiza en la experiencia de Vardi sobre la vida y el legado de Debussy, y juntos examinan las influencias musicales del compositor, su vida y carrera, y el impacto duradero que tuvo en el mundo musical, especialmente para los compositores y pianistas que vinieron después de él.

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Andrew Tyson

En esta lección, el pianista estadounidense Andrew Tyson te guía a través del primer movimiento de la Sonata para Piano en La Mayor, D. 664 de Schubert. Mientras preparas esta pieza, Tyson cree que todas tus búsquedas técnicas deben estar fundamentadas y motivadas por tus intenciones musicales. Esta lección te ofrecerá tanto orientación interpretativa como consejos técnicos. <br><br>Primero, Tyson te presentará la imaginería natural (por ejemplo, bosques, praderas) que inspiró a muchos compositores románticos. Te invita a considerar estas imágenes mientras elaboras tu propia interpretación de la obra de Schubert. Tyson también te sintoniza con los motivos que unifican los movimientos de esta sonata y, más ampliamente, algunas de las tendencias que caracterizan la estética de Schubert. <br><br>Finalmente, aprenderás varios consejos técnicos sobre la fraseo y el trabajo con octavas. Siempre que frases más cortas son seguidas por frases más largas, Tyson sugiere que comiences las más cortas más suave (y posiblemente más lento) para señalar la próxima variación. Siempre que te enfrentes a una serie de octavas, Tyson te anima a enfocar tus esfuerzos físicos y mentales en las puntas de tus dedos que tocan. Esto aumentará tu claridad y precisión y te permitirá liberar la tensión en el resto de tu brazo y parte superior del cuerpo.

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Anne-Marie McDermott

¿Qué tiene que ver Bach con Prokofiev? En una palabra: claridad. Para una músico rebelde como Anne-Marie McDermott, ambos compositores escriben música que "salta a la vista". Y ambos se benefician de un equilibrio entre disciplina y libertad. Únete a McDermott mientras se sienta con el Jefe de Piano de tonebase, Ben Laude, para una conversación íntima y reveladora de media hora explorando la intersección de la interpretación pianística y la experiencia humana. McDermott cuenta cómo desarrolló una adicción a Bach y Prokofiev cuando era adolescente, una que persiste hasta el día de hoy. Con estos dos compositores como puntos focales, McDermott detalla el inusual camino de su vida, con giros y vueltas a través de la psicología junguiana y la filosofía oriental, y revela cómo evolucionó su musicalidad en el camino.

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Arie Vardi

En este video, Ben Laude se sienta con el pianista israelí Arie Vardi para discutir la peculiaridad de los compositores y cómo tocar la música de Frédéric Chopin es un desafío tan único.<br><br>Para consternación de Arie, surge el tema de las competencias, lo que los lleva a una conversación sobre lo que significa ser pianista en la era moderna.

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Arie Vardi

¿Cuál es el secreto de la armonía?' Desde niño, Arie Vardi se sintió atraído por las sonoridades encantadoras únicas en la música de Debussy. En esta lección, el pianista y profesor de renombre mundial te introduce a la magia de la armonía de Debussy y el misterio del toque requerido para revelar los colores y perfumes que emanan de sus partituras.

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Arie Vardi

En esta lección, el pianista israelí Arie Vardi te enseña la diferencia entre tocar legato y cantabile. Para tocar legato, debes conectar tus notas con el pedal de los dedos, es decir, soltar una nota solo después de que su sonido se haya superpuesto brevemente con la siguiente nota. También debes tocar las teclas con las yemas o "almohadillas" de los dedos, y tu ataque, aprenderás, debe ser lento. <br><br>Vardi te anima a aumentar la expresividad de tu toque legato con frases cantabile ("cantables"). Para lograr un estilo cantabile, explica Vardi, nunca debes tocar dos notas con el mismo volumen; más bien, debes usar dinámicas para dar a tu interpretación una constante sensación de dirección. Finalmente, aprenderás a imitar la frase de los cantantes tomándote tu tiempo durante los grandes saltos melódicos.

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Arie Vardi

Únete al pedagogo israelí de renombre mundial Arie Vardi para una mirada profunda a cómo Chopin construye intrincados mundos emocionales en la música. Vardi revela cómo los dos amores gemelos de Chopin, la ópera y Bach, se relacionan con dos técnicas compositivas poderosamente expresivas: la polimelodía y la polifonía.<br><br>Comienza mostrando el dominio que tenía Chopin de la música introductoria. En la Mazurca en Si bemol menor, Vardi ve los intervalos menguantes que muestran cómo la exploración del núcleo interno de uno mismo es más fascinante que visitar tierras distantes. Esta introducción florece en una melodía inolvidable que ilustra su tema principal.<br><br>Vardi define la polimelodía como una misteriosa, imaginada "tercera voz" que resulta de la combinación de dos voces en un dúo. Chopin a menudo da un carácter sorprendentemente vívido y humano a cada voz en la textura, como si fuera un dúo operático; en el caso de esta mazurca, presenta tanto una voz suplicante como una voz que rechaza en el registro superior. La polimelodía es la síntesis de estas dos que crea una tercera impresión, rica en emociones.<br><br>Vardi contrasta esto con la polifonía tradicional. En lugar de presentar dos personajes relativamente independientes como en la polimelodía, cuando usa su técnica polifónica Chopin es como un filósofo repitiendo la misma idea musical desde muchas perspectivas hasta alcanzar la verdad. En lugar de simplemente enfatizar la voz superior, libremente elige hacer zoom hacia adentro y hacia afuera sobre una u otra voz. <br><br>Vardi cierra animando la libertad y la flexibilidad en tu interpretación: "Toca de tal manera que nadie reconozca lo que estás tocando"— una estrategia sorprendente para asegurar que la extraordinaria música de Chopin continúe inspirando a los ejecutantes y oyentes por igual.

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Asiya Korepanova

Performing one Liszt Etude is hard enough. Performing 24 is superhuman. Join Asiya Korepanova for a special interview feature as she tells the story of learning and performing Liszt's formidable studies. The only pianist in the world currently programming the whole cycle in a single concert, Korepanova reveals how she prepared psychologically and physically to execute these fiendishly difficult pieces in performance.

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Asiya Korepanova

La Cuarta Balada de Chopin es una de sus obras más famosas y extraordinarias, única en su combinación de ternura y poder. Únete a la pianista rusa Asiya Korepanova para una mirada profundamente reveladora sobre cómo llegar a una interpretación emocional y pianísticamente satisfactoria de este pilar del repertorio.<br><br>Este video aborda la primera mitad de la pieza, incluyendo la introducción anhelante, el sombrío primer tema y sus apasionadas transformaciones polifónicas, el sincero y gentil segundo tema, y los pasajes deslumbrantes como un baile que se disuelven en una breve pero etérea cadenza que corta el aliento.<br><br>El consejo de Korepanova se basa en dispositivos consagrados por el tiempo de su vasta experiencia y la tradición rusa de interpretación pianística: una artesanía impecable de cada frase y su relación adecuada con toda la pieza; una búsqueda de colores exquisitos sin perder de vista el flujo continuo; y una profunda comprensión de la fisicalidad de tocar el piano, incluyendo todos los aspectos del toque y la producción de sonido, distribución del peso, independencia de los dedos, puntos de descanso, y técnicas de práctica infalibles.

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Asiya Korepanova

El segundo de los Dos Estudios de Concierto de Liszt, Gnomenreigen, es una de sus obras para piano más encantadoras. Aunque presenta grandes obstáculos técnicos, es considerablemente menos intimidante que la mayoría de sus Estudios Trascendentales y Paganini.<br><br>Asiya Korepanova, la primera pianista en la historia en interpretar los 24 Estudios de Liszt en un solo recital, está única y especialmente calificada para entender los desafíos que plantea Gnomenreigen y ofrecer soluciones constructivas. En su lección, recorre la obra sección por sección, ofreciendo consejos prácticos detallados para ejecutar las complicadas figuraciones de Liszt.<br><br>Comenzando con el Presto Scherzando inicial, Korepanova se centra en ejecutar las rápidas notas de adorno de manera que se preserve el carácter travieso del tema de apertura y enfatiza el elemento de danza similar a la giga. En el pasaje posterior marcado como 'Un poco animato', Korepanova destaca la importancia de minimizar el movimiento y usar el peso del brazo para lograr un trabajo de dedos brillante. En los pasajes de desarrollo y cierre, afronta las dificultades planteadas por las notas repetidas de Liszt, los acordes rápidos y otros obstáculos técnicos intimidantes, descomponiendo los requisitos físicos para su ejecución y demostrando en detalle cómo conceptualizar y practicar cada sección.

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Asiya Korepanova

Una de las obras más queridas de la literatura pianística romántica, «La Campanella» de Liszt, es también una de las más temidas. Especialista en los Estudios de Liszt, Asiya Korepanova desglosa los desafíos técnicos uno por uno, ofreciendo consejos prácticos para ayudarte a encontrar comodidad y facilidad en los pasajes que antes considerabas imposibles.<br><br>La pieza se llama «campanilla», pero el pianismo requerido para tocarla está lejos de ser pequeño. Los saltos de la mano derecha en los pasajes iniciales son notoriamente difíciles de tocar limpiamente, pero Korepanova revela cómo abordar los saltos psicológicamente, sabiendo qué notas apuntar y dónde centrar el brazo para que los saltos se reduzcan.<br><br>Lo que podría parecer una dificultad seria en la pieza –pasajes episódicos, cada uno requiriendo una técnica diferente– también facilita la pieza, ya que nunca tienes que continuar el uso de un grupo muscular determinado durante más de unas pocas frases, a diferencia de otros estudios. Para cada una de estas técnicas –saltos, notas repetidas, trinos, octavas, escalas cromáticas rápidas– Korepanova demuestra estrategias de práctica para reducir la dificultad específica, aliviar la tensión y el estrés del antebrazo, y finalmente lograr brillantez y facilidad en la ejecución.<br><br>La pieza no es el Monte Everest, dice Korepanova. Una vez que los desafíos se desglosan en una serie de tareas físicas alcanzables, pueden superarse con relativa facilidad.

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Asiya Korepanova

Únete a la poderosa pianista Asiya Korepanova para una lección sobre Mazeppa, el Estudio Trascendental No. 4 de Liszt. Los meticulosos consejos de práctica de Korepanova, compás por compás, te llevarán un largo camino hacia el dominio de este tumultuoso estudio.<br><br>Basado en un poema de Victor Hugo, Mazeppa describe la prueba de un héroe atado a un caballo salvaje y corcoveante. Korepanova comparte ideas que resaltan este carácter y a la vez hacen que tu interpretación sea lo más técnicamente confiable posible, en particular, cómo usar el inusual fingerpicking de Liszt para tocar con una articulación vigorosa y mordaz. Ofrece estrategias poderosas pero simples para abordar pasajes muy desafiantes: repetir cada nota de inmediato para desarrollar resistencia e independencia; repetir incesantemente compases o medidas individuales; tocar notas dobles con una voz en staccato y la otra en legato; practicar voces de acordes y octavas por separado; omitir partes de la textura para centrarse en las dificultades específicas que te detienen; redistribuir las notas entre las manos; empezar desde el final de un pasaje y añadir notas precedentes de a pocas.<br><br>Korepanova añade a estas sugerencias detalladas, encontrando los mejores lugares para “restablecerte” física y mentalmente, y cómo mantener el equilibrio y la estabilidad incluso en los pasajes más arriesgados. Por último, comparte sus pensamientos sobre cómo entender el inesperado recitativo (pista: se trata del voicing) y la coda triunfante.

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Barbara Nissman

Únete a la experta en Prokofiev, Barbara Nissman, para una lección sobre el primer movimiento estructurado con precisión de la Sexta Sonata de Prokofiev.<br><br>Nissman comienza con una introducción a Prokofiev y su personalidad musical multifacética. Lejos de ser meramente áspera y quebradiza, la música de Prokofiev abarca lirismo, corazón y una impecable artesanía. También explora la reputación de Prokofiev como pianista virtuoso y su considerable producción para el instrumento, culminando en las tres llamadas

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Barbara Nissman

En esta lección, la pianista estadounidense Barbara Nissman te guía a través del Allegro Barbaro de Bartók, una de sus obras más populares e influyentes para piano.<br><br>Nissman, quien literalmente escribió el libro sobre cómo tocar la música para piano de Bartók, revela el contexto histórico en el que la obra fue concebida e interpretada (o malinterpretada). La propia grabación de Bartók es un gran punto de referencia para cualquiera que aborde esta obra por primera vez.<br><br>Profundizando en el material de apertura, Nissman te muestra la importancia de mantener un pulso constante y usar acentos para ayudar a puntuar el ritmo ostinato y capturar el carácter implacable y conductor de la música. La pieza está llena de material de “vamp”, y Nissman muestra cómo no perder la cuenta de cuántas repeticiones has tocado.<br><br>En los muchos pasajes rápidos de octavas, asegúrate de mantenerte relajado y experimentar con lanzar la mano. También es importante usar la gravedad a tu favor y permitir que la mano caiga libremente.<br><br>Mientras la pieza sigue casi siempre avanzando, hay una sección improvisatoria estructuralmente significativa con un tempo flexible. Nissman muestra cómo sentir este pasaje esquivo y cómo revelar las numerosas capas de la textura a medida que la música vuelve al tempo.

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Asiya Korepanova

Únete a la poderosa pianista Asiya Korepanova para una lección sobre Wilde Jagd, el estudio más salvaje de Liszt. Con los consejos de práctica paso a paso de Korepanova para desmitificar incluso los pasajes más complicados, estarás dominando los saltos y conjurando el espíritu de la caza en poco tiempo.<br><br>Los principales desafíos de este estudio son sus cambios rápidos y saltos precipitados. Para dominarlos, Korepanova recomienda agrupaciones mentales específicas para estructurar tus movimientos, sintiendo un metro subyacente fuerte a pesar de todas las interrupciones superficiales, coreografía cercana a las teclas para rebotar acordes repetidos y memorizar distancias deslizándote por la superficie de las teclas como si fueras ciego. Revela los puntos de mayor intensidad, así como las mejores oportunidades para descansar.<br><br>Este estudio prueba más que tus reflejos: también pone a prueba tu imaginación. Lleno de música vívidamente descriptiva, Wilde Jagd muestra la imprevisibilidad de cazadores y cazados por igual, la riqueza orquestal de llamadas de cuernos y una apasionada escena de amor en la sección central.<br><br>Para sacar a relucir estos innumerables personajes, Korepanova encuentra los momentos ideales para voicings coloridos, pedaleo claro pero atmosférico y pedaleo de dedos rico. También comparte sus consejos sobre la resistencia del meñique y cómo lograr un tono potente sin dureza.

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Barbara Nissman

Una mini-sonata palpitante, neoscarlattiana con una cadencia lisztiana y el característico acento y estilo argentino, la Sonata No. 3 de Alberto Ginastera es una obra maestra desconocida del repertorio pianístico del siglo XX. Ginastera compuso la obra en su lecho de muerte para Barbara Nissman, quien te lleva en un recorrido por los motivos, interjecciones y salidas mágicas de la obra, mientras deconstruye su virtuosismo patente para hacerla tocable en tus manos.

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Barbara Nissman

Únete a Barbara Nissman para una lección animada sobre las Danzas Argentinas de inspiración folclórica de Alberto Ginastera, escritas cuando el compositor tenía solo 19 años. Nissman es la guía perfecta para estas piezas populares y vibrantes: conoció a Ginastera, y su última composición fue escrita expresamente para ella.<br><br>Nissman te lleva a través de la narrativa característica de cada pieza, que va desde vagabundeos y empujones peculiares en la “Danza del viejo boyero”, hasta cantos melancólicos y apasionados en la “Danza de la doncella hermosa”, y hasta fuego y exuberancia en la “Danza del gaucho matrero”.<br><br>El estilo de Ginastera presenta una serie de ideas vívidas tomadas prestadas de la música folclórica argentina: imitaciones de cuerdas al aire y la guitarra flamenca rasgueada, y el ritmo enérgico del malambo (una danza competitiva). Con consejos prácticos sobre cómo interpretar la notación de Ginastera, dónde colocar los acentos para mantener el ritmo estable, el uso de tus manos, brazos e incluso piernas, Nissman muestra que la música de Ginastera en realidad es menos difícil de lo que parece.

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Ben Laude

En el vasto mar de las sonatas para teclado de Scarlatti, la K. 380 en Mi mayor ha surgido como una de las más populares. Los pianistas suelen ser introducidos a la obra por Vladimir Horowitz, quien reveló su ternura y encanto en sus muchas diferentes grabaciones de la obra. En esta lección, el Jefe de Piano de tonebase, Ben Laude, establece el escenario de la Sonata como un diálogo antífona entre instrumentos imaginados de una procesión real. Explorando su carácter y diseño en meticuloso detalle, Laude también ofrece consejos prácticos sobre la ejecución de adornos y figuraciones de digitación, mientras explora posibilidades interpretativas para dar vida a la obra.

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Ben Laude

De todos los apodos dudosos dados a las obras maestras clásicas a lo largo de la historia, el llamado "Vals del Minuto" podría ser el más engañoso. Chopin habría fruncido el ceño ante tales intentos de adelantar su Vals en Re bemol, perdiéndose los deliciosos detalles que le dan elegancia y humor a la pieza. En esta lección sobre el amado vals de Chopin, el Jefe de Piano de tonebase, Ben Laude, revela el oficio de la famosa miniatura de Chopin, llevándote en un recorrido profundo dentro de la partitura. Comparando la pieza con un perro persiguiéndose la cola, después de Chopin, Laude analiza los elementos musicales que dan a la pieza su carácter juguetón y ofrece instrucciones prácticas detalladas sobre cómo tocar con facilidad y encanto.

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Frederic Chiu

Como la mayoría de las revoluciones, el Étude en do menor, Op. 10 nº 12, de Chopin, comienza con una crisis. Acompañe al inconformista pianista estadounidense Frederic Chiu en su deconstrucción del drama del estudio "revolucionario" de Chopin.<br><br>Para Chiu, el rápido pasaje a la izquierda es una distracción del verdadero reto técnico y musical del estudio, que consiste en captar el drama retórico latente en el motivo de media nota que domina la partitura. Para informar sus entradas físicas, primero tiene que desarrollar una concepción que represente la lucha de los medios pasos tanto en la mano izquierda como en la derecha. Luego, cuando se introducen intervalos más grandes (incluso tan pequeños como un paso entero), de repente todo el paisaje se altera y surgen nuevos horizontes. El arco dramático de la pieza llega finalmente en una coda teñida de derrota y repliegue antes de que un último grito ponga fin a los tumultuosos acontecimientos.

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Frederic Chiu

Chopin nunca escribió explícitamente un estudio para el pedal, pero muchos de sus estudios te dan la oportunidad de crear nuevos retos con los pies. Para Frederic Chiu, el Etude en mi bemol mayor, Op. 10 nº 11 es precisamente una de esas piezas. Chiu se centra en aplicar su técnica de "pedal de cambio quirúrgico" para crear el efecto de una melodía enfocada y un acompañamiento desenfocado. También se toma la libertad de interpretar las marcas de Chopin, convirtiendo los redobles de ambas manos en un largo papel de abajo arriba, como un arpa. Los arpegios resultantes son desafiantes, pero como muestra Chiu, desarrollar la técnica del pedal liberará los dedos para ejecutar algunos de los intervalos más difíciles en la mano derecha.

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Frederic Chiu

Los pianistas mantienen una relación de amor-odio con los estudios de Chopin. Hermosas pero mortales, estas piezas traicioneras han sido una parte esencial de los estudios de piano durante casi dos siglos, pero ¿cuántas veces se han visto de una forma totalmente nueva? Frederic Chiu es famoso por sus interpretaciones inconformistas, y aporta este enfoque poco convencional a un conjunto de cuatro estudios: dos de los más populares y dos menos conocidos. Con la fresca perspectiva de Chiu, aprenderá a proyectar belleza lírica en el Op. 10 nº 3 ("Tristesse") e intensidad escarpada en el famoso "Estudio revolucionario" Op. 10 nº 12. En los estudios menos famosos, los nº 10 y 11, Chiu muestra cómo dominar las capas rítmicas y texturales de Chopin utilizando la técnica de la "tabla giratoria" y una táctica única con el pedal izquierdo que crea un efecto especial de alto contraste. El arte se nutre de nuevas ideas, y este provocativo curso le dará herramientas para mejorar todo lo que toque.

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Garrick Ohlsson

En esta lección, el pianista estadounidense Garrick Ohlsson le guía a través de la Balada en sol menor de Chopin. "Una revolución en su época", según Ohlsson, esta pieza es una de las obras más queridas del Romanticismo. Ohlsson hace un recorrido por la obra, revelando el milagro que Chopin realiza en todos y cada uno de sus pasajes.<br><br>Dedicando un tiempo considerable a la introducción de la Balada, Ohlsson analiza las ambigüedades armónicas que dan a la icónica frase inicial su carácter especial. La obra cuenta una historia musical, subraya Ohlsson, y las decisiones que tomes sobre el fraseo y el rubato influirán en el tipo de historia que estés contando. Equilibrar las texturas de Chopin también es importante, y Ohlsson da consejos sobre cómo conseguir una línea belcantista y cantarina en la mano derecha mientras se aplica cuidadosamente el pedal para estratificar los elementos armónicos y contrapuntísticos en los registros graves.<br><br>A medida que se desarrolla la historia, hay múltiples momentos culminantes, y el tiempo y el ritmo con el que se mueve hacia y desde estos picos definirá el arco de toda la obra. El viaje también trae consigo una serie de pasajes virtuosos, cada uno de los cuales Ohlsson analiza en busca de los elementos rítmicos y tonales más importantes que pueden ayudar en la ejecución.<br><br>La coda de la obra, temida por tantos pianistas, es el centro de la última parte de la lección de Ohlsson. Desglosa los obstáculos técnicos de la mano derecha en sus elementos más simples y ofrece consejos prácticos para construir el pasaje lenta y cómodamente.

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Frederic Chiu

Chopin creía que la melodía de su Étude en mi mayor, Op. 10 nº 3, era la más bella que jamás compuso. Acompañe al inconformista estadounidense Frederic Chiu en su exploración de las múltiples capas de este estudio polifacético.<br><br>Para Chiu, el principal reto de este Étude es la "multitarea" para dar un carácter independiente a múltiples capas simultáneas. Ofrece tres espectros que se pueden controlar para lograr esta distinción: la dinámica, el tiempo y su característica técnica del "pedal de cambio quirúrgico". Después de demostrar cada una de ellas, Chiu se enfrenta a la animada sección central, ofreciendo consejos para simplificar los intrincados patrones de las endiabladas diadas. Por último, considera la cuestión de cómo interpretar la forma en tres partes de la obra, proporcionando estrategias para expresar el retorno al hermoso tema de apertura.

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Gwendolyn Mok

Gwendolyn Mok, una de las últimas alumnas serias del pianista preferido de Ravel, Vlado Perlemuter, aporta décadas de experiencia en la investigación e interpretación de las obras de Ravel a esta lección sobre la Pavane pour une infante défunte ("Pavana para una princesa muerta").<br><br>Para Mok, la Pavane de Ravel demuestra el carácter reservado del compositor y la cualidad de "pudeur" o contención que impregna su música de tanta distinción y belleza. Mok comienza centrándose en la articulación y el equilibrio de las figuras de acompañamiento "punteadas", antes de mostrar cómo superponer la línea de canto. A continuación, subraya la importancia de desarrollar un "tono deslumbrante", según Perlemuter, y muestra técnicas para conseguirlo con consejos sobre el pedal, la digitación y la voz. Alejándose, Mok analiza la belleza de la forma de la obra y revela los momentos especiales de la sección C en los que, por un breve instante, Ravel pierde esa sensación de contención en favor de un arrebato momentáneo de pasión.

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Garrick Ohlsson

En esta lección, el pianista estadounidense Garrick Ohlsson examina meticulosamente la biomecánica del Primer Étude de Chopin. Concentrándose en el primer par de compases, Ohlsson demuestra metódicamente cómo coreografiar las manos para ejecutar el primer patrón. Si aprendes a practicar la apertura, sabrás cómo practicar toda la pieza. <br><br>Ohlsson admite que hay puntos que son particularmente "diabólicos". Para dominarlos, debes desarrollar una técnica que él llama "relajación hacia el futuro". Ohlsson insiste en la importancia de liberar la tensión de la mano inmediatamente después de tocar una nota para estar preparado para la siguiente. En una pieza musical tan virtuosa como ésta, no puedes permitirte aferrarte a las notas. Más bien, Ohlsson le anima a centrarse en la expansión y contracción naturales de la mano como medio para desplazarse por el teclado con flexibilidad y fluidez. <br><br>Aunque Ohlsson advierte que la pieza requiere "entrenarse como un atleta", la recompensa es duradera: "toda una vida enciclopédica" de conocimientos sobre cómo utilizar las manos con destreza y eficacia.

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Garrick Ohlsson

Acompañe al célebre pianista estadounidense Garrick Ohlsson en sus consejos y trucos para dominar los glissandos en el teclado. Aunque los glissandos suenan y parecen impresionantes, Ohlsson demuestra que, con el enfoque adecuado, son sencillos una vez que se les coge el truco.<br><br>Dando la vuelta a la mano y usando las uñas (y menos presión), es posible evitar atascarse o lesionarse -aunque para los glissandi especializados, de doble nota, el profesor de Ohlsson le dijo una vez que, mientras desarrollaba el garbo necesario para lanzarlos sin más en cualquier circunstancia, ¡podría doler un poco al principio! Con la práctica, encontrarás un buen ángulo para tu mano que evite la tensión y permita un glissando suave y uniforme.<br><br>Ohlsson demuestra su enfoque de los glissandi estándar, así como de ejemplos especiales que se encuentran en la Alborada del gracioso de Ravel, la Sonata "Waldstein" de Beethoven y el Tercer Concierto de Prokofiev.

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Garrick Ohlsson

Si es posible que una sola obra de Chopin ocupe un lugar supremo entre sus innumerables obras maestras, tal vez sea su Barcarolle en fa sostenido mayor, Op. 60. La única contribución de Chopin a este género romántico es adorada por concertistas y público por igual, y es la pieza favorita de Garrick Ohlsson, medalla de oro del Concurso Chopin de 1970 y uno de los pocos pianistas de la historia que ha grabado la obra completa de Chopin. Ohlsson es su gondolero en esta extensa y profunda lección sobre la Barcarola, guiándole a través de sus intrincadas aguas polifónicas y deleitándole con sus resplandecientes colores. Enfocando la pieza desde el punto de vista de un pianista, Ohlsson demuestra el refinado control tonal que debe alcanzar para darse cuenta de la plenitud del drama interior de la obra, y muestra un camino hacia el dominio técnico necesario para llevar a cabo la pieza más inspirada y encantadora de Chopin, una de las grandes obras de la era romántica.

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Garrick Ohlsson

En este vídeo, Ben Laude conversa con el gran Garrick Ohlsson en su casa de San Francisco.<br><br>Intentan responder a la pregunta incontestable de si Frédéric Chopin pertenece al estilo clásico o al romántico. Esto les lleva a discutir por el camino las conexiones de Chopin con sus obras y compositores favoritos.

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Garrick Ohlsson

En esta lección, el pianista estadounidense Garrick Ohlsson le guía a través del "increíblemente adorable" Intermezzo en la mayor, Op. 118, nº 2, de Brahms. <br><br>Ohlsson dirige su atención a las detalladas marcas de articulación de Brahms, que le ayudará a descifrar e incorporar a sus estrategias de fraseo. Aprenderá a tocar con expresión y musicalidad la constante corriente de corcheas que fluye a lo largo de esta pieza. Esta figura de acompañamiento, le aconseja Ohlsson, no debe sonar neutra o pasiva, ni debe dominar la melodía. <br><br>Durante los pasajes más contrapuntísticos de la pieza, Ohlsson te invita a decidir por ti mismo qué voz resaltar. Le anima a considerar la posibilidad de resaltar una de las voces interiores, ya que la mayoría de los pianistas enfatizan la superior. Sea cual sea la voz que decida resaltar, Ohlsson le aconseja que practique haciéndolo de forma exagerada hasta que se sienta cómodo expresando con más sutileza.

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Garrick Ohlsson

En esta lección, el pianista estadounidense Garrick Ohlsson le guía a través del Scherzo de Chopin, Op. 39, nº 3 en do sostenido menor. <br><br>Cuando practique la introducción, Ohlsson le anima a explorar la posibilidad de tocar con diferentes grados de rubato, ya que los pianistas han interpretado esta sección de numerosas maneras diferentes, y Chopin no especifica marcas de tempo. <br><br>Cuando practique las octavas de esta pieza, Ohlsson sugiere utilizar el movimiento lateral del pulgar para ayudarle a alcanzar intervalos amplios sin cambiar innecesariamente la posición de toda la mano. Para encontrar aún más comodidad, aprenderá a cultivar una "respuesta de relajación", liberando inmediatamente la tensión de la mano después de golpear el teclado. <br><br>También aprenderá estrategias para practicar los desafiantes saltos de la mano izquierda de Chopin. Para evitar bloquear las manos en cada extremo de un salto, Ohlsson le enseña a imaginar cada salto como un gesto único y fluido en el que el brazo oscila constantemente.

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Gwendolyn Mok

Únase a la profesora Gwendolyn Mok, una de las herederas del pianismo de Ravel a través de su difunto profesor Vlado Perlemuter, en esta lección sobre la Sonatina. El primer movimiento, una de las obras más accesibles de Ravel, plantea sin embargo serios retos físicos y musicales al estudiante. Mok desglosa cada uno de ellos, mostrando cómo coreografiar las incómodas posiciones de las manos necesarias para ejecutar la obertura, al tiempo que llama la atención sobre las diferentes capas y motivos de la pieza -especialmente el omnipresente motivo descendente "Maman"- y ofrece ideas sobre cómo materializar la sobria estética de Ravel a través de sutiles actos de toque y sincronización.

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Gary Graffman

Gary Graffman se sienta con Ben Laude, de tonebase, para hablar de la Balada nº 2 en fa mayor, Op. 38, de Chopin.<br><br>Graffman, uno de los mejores pianistas estadounidenses del siglo XX, escucha su propia interpretación de la Balada, grabada para RCA en 1959. Pasaje a pasaje, Graffman cuenta la historia de la legendaria ciudad hundida de Świteź, tal y como la describe el poema de Adam Mickiewicz, que muchos consideran inspirador de la composición de Chopin (aunque los estudiosos nunca han demostrado definitivamente esta conexión).<br><br>Graffman escucha el plácido lago descrito en las largas y suaves frases iniciales de Chopin. Pronto se desata una tormenta y se oye acercarse una flota naval invasora durante la sección Allegro con fuoco. A medida que se acerca la coda, se oye a la flota arrastrada bajo el agua. Se desata el pandemónium y toda la flota se ahoga. La tormenta pasa y el lago vuelve a una calma espeluznante, mientras el cadencioso himno regresa y se apaga en la menor.

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Gary Graffman

Gary Graffman se sienta con Ben Laude, de tonebase, para hablar de la Balada nº 4 en fa menor, Op. 52, de Chopin.<br><br>Graffman, uno de los mejores pianistas estadounidenses del siglo XX, escucha su propia interpretación de la Balada, grabada para RCA en 1959. Pasaje a pasaje, Graffman analiza los retos técnicos y musicales que presenta una de las obras más profundas de Chopin.<br><br>La frase inicial es notoriamente difícil de interpretar, Graffman cree que debe tocarse muy baja, incluso más baja de lo que la tocó en su interpretación. Graffman señala el crescendo y decrescendo entre las dos manos como una pista para comprender las intenciones de Chopin. El tema principal también es difícil de frasear, pero Graffman señala que si se siguen con precisión las marcas de frase de Chopin se puede conseguir una línea más elocuente.<br><br>A medida que avanza la pieza, Graffman comenta los retos de pedalear la obra y permitir que hablen sus múltiples capas. La fughetta, el clímax y la coda plantean aún más dificultades de fraseo y ejecución, y Graffman insiste en la importancia de practicar despacio, con las manos separadas. De vez en cuando, Graffman se detiene para contar anécdotas de cuando tocaba para Horowitz, y al final da su valoración de las Cuatro baladas en su conjunto.

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Gwendolyn Mok

La música de Ravel es rica, cara, podría decirse. Sus obras para piano son como las exquisitas chucherías de las colecciones domésticas de Ravel: exquisitas pero frágiles. Gwendolyn Mok, una de las últimas alumnas del pianista preferido de Ravel, Vlado Perlemuter, nos habla del cuidado que hay que tener al abordar las partituras de Ravel. Con demostraciones de todas las obras para piano de Ravel -incluidas Gaspard de la nuit, Miroirs, Le Tombeau de Couperin, Valses Nobles et Sentimentales y la Sonatine-, Mok analiza las facetas más destacadas del estilo y el carácter de Ravel, tanto en el hombre como en la música -restricción emocional (pudeur), proporción clásica, sonido y tacto, pedal, color y orquestación- y considera las ventajas de tocar a Ravel en un piano Érard de época.

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Henry Kramer

En esta lección, el pianista estadounidense Henry Kramer le guía a través del Étude Op. 10, nº 2 en la menor de Chopin, un ejercicio para desarrollar la independencia de los dedos más débiles de la mano derecha. <br><br>Kramer comienza enseñándole ejercicios rudimentarios que le ayudarán a construir una base firme para las exigencias técnicas de esta pieza. En primer lugar, le aconseja que centre su atención en la parte de la mano izquierda del étude, practicando un staccato que rebote en el teclado. Aprender este movimiento ascendente invitará a las puntas de los dedos a juntarse en un cierre natural en el aire, ayudando a las manos a liberar tensión. <br><br>A continuación, Kramer le enseña a diseccionar la parte de la mano derecha, practicando los staccatos en los dedos primero y segundo antes de incorporar gradualmente fragmentos de la escala cromática con los dedos tercero, cuarto y quinto. <br><br>Una vez construida esta base firme, aprenderá las estrategias de Kramer para mantener la resistencia. En esta pieza, no es necesario que los dedos se hundan por completo en el teclado. Imagínese su mano derecha como un "insecto que roza un estanque" deslizándose sobre el teclado. Sin embargo, cuando necesite crear un sonido más fuerte, Kramer sugiere centrar sus esfuerzos en la mano izquierda, ya que la resonancia del registro grave creará la ilusión de una dinámica de forte más uniforme.

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Imri Talgam

Join Israeli pianist Imri Talgam for a look at the aesthetic of György Ligeti, famous for his mind-bending and finger-twisting études. These groundbreaking works test the limits of what’s possible for human performers, their unyielding logic making few concessions to practicality. In spite of this (or perhaps because of it), Ligeti’s études have become an object of fascination for pianists. After mastering one of these essays in impossibility, complex works by other composers seem simple by comparison.<br><br>Talgam dives deeply into these issues as well as Ligeti’s fascination with texture and polyrhythm. Perhaps most importantly, he addresses the mindset necessary to successfully learn and perform a Ligeti étude.

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Jean-Efflam Bavouzet

Acompañe al célebre pianista francés Jean-Efflam Bavouzet en su recorrido por el primer movimiento de la emocionante Sonata en mi menor de Haydn.<br><br>"Presto" es una marca poco habitual en el primer movimiento de una sonata, y Bavouzet llama su atención sobre la interacción entre el tempo enérgico y las pausas recurrentes en el impulso. Las numerosas fermatas a lo largo del primer movimiento ofrecen la oportunidad de lograr un elemento de sorpresa, una marca registrada del estilo compositivo de Haydn.<br><br>Bavouzet también aborda el enfoque económico que Haydn da a su material, destacando la continuidad subyacente entre el primer y el segundo tema a pesar de sus caracteres contrastantes. Como intérprete, necesitará dominar una variedad de articulaciones para ejecutar los motivos entre ligados y staccato que impregnan esta pieza. Bavouzet siempre está dispuesto a dar consejos técnicos y de digitación, y muestra cómo pueden apoyar una interpretación de buen gusto. Lo más importante, insiste Bavouzet, es "ser creativo" y "no aburrirse nunca".<br><br>Por último, Bavouzet comparte su arreglo de la coda del primer movimiento, argumentando, basándose en pruebas académicas, que la repetición debería desplazarse al final de la recapitulación.

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Imri Talgam

En esta lección, el virtuoso de la música contemporánea Imri Talgam le guiará a través del alucinante Etude nº 1 de Ligeti, "Désordre". Esta pieza es esencialmente una versión musical del efecto mariposa, y las cosas se descontrolan rápidamente. Cualquiera que espere dominar sus desafíos extremos e innovaciones radicales necesitará muy buenos consejos.<br><br>Por suerte, Talgam conoce esta música al dedillo. Para ayudarte a que tu cerebro (y tus manos) se adapten a la estructura rítmica única de esta pieza, Talgam ofrece 11 consejos de práctica infalibles, junto con muchos comentarios perspicaces sobre la memorización, el pedaleo y, lo más importante de todo: el conteo. Las líneas de compás desalineadas de Désordre asustan a muchos pianistas, pero siguiendo los pasos específicos de Talgam para descomponer la textura en unidades más simples e inteligibles, podrá practicar este estudio sin sobrecargar su cerebro. Bueno, al menos no tanto.

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Jean-Efflam Bavouzet

Descubra el milagro que es el amado "Clair de lune" de Debussy con el célebre pianista francés Jean-Efflam Bavouzet. Frase a frase, Bavouzet desvela el significado oculto de la obra y ofrece consejos prácticos para navegar por sus texturas y estados de ánimo.<br><br>Para Bavouzet, Clair de lune contiene tres elementos extramusicales: la luna, el agua y el amor. En concreto, Debussy describe la luz de la luna brillando sobre el agua como telón de fondo del anhelo amoroso. Este amor culmina en un "éxtasis romántico", pero realizado sólo en el contexto de un sueño. En realidad, tanto antes como después del sueño, el amor resulta ser, tal vez, no correspondido.<br><br>Con esta interpretación programática en mente, Bavouzet desmenuza los numerosos retos de la obra, tanto técnicos como musicales. Desde la digitación y la mecánica hasta el análisis de las capas y las armonías, la lección de Bavouzet demuestra que, en sus palabras, "cuanto más sabes de la música, más extraordinaria te parece".

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Jarred Dunn

Únase al pianista canadiense Jarred Dunn en una lección sincera y perspicaz sobre el Estudio para violonchelo en do sostenido menor, Op. 25 nº 7, de Chopin. Con melodías elegaicas de la mano izquierda, la pieza hace honor a su título, Dunn se apresura a señalar que hay más de lo que parece: la escritura del "violonchelo" está siempre interactuando con una hermosa línea de agudos, así como los acordes de acompañamiento que se repiten incesantemente entre las líneas melódicas. El reto de la pieza radica en equilibrar estas tres capas y resaltar su carácter trágico y lánguido.<br><br>Asimismo, los consejos de Dunn siempre equilibran los comentarios estéticos, estilísticos e históricos con consejos prácticos para lograr la interpretación deseada. Hace observaciones eruditas sobre la personalidad de Chopin y sus intereses musicales (Bach, el violonchelo, e incluso presagia a Debussy). Pensando en el estilo vocal y en instrumentos específicos, sugiere inmediatamente el color adecuado para una sección determinada, o un fraseo más bello.<br><br>Sus consejos técnicos se aplican siempre a los objetivos musicales generales: dejar que el dúo melódico se eleve, practicar el arpegio del acompañamiento y aplicar más peso y velocidad de tecla en los dedos exteriores; tocar el acompañamiento más suavemente, "cabalgar la tecla" suavemente al estilo Taubman, sin dejar que se eleve del todo; dividir las ejecuciones de la mano izquierda en trozos pero no metronómicamente; cambios parciales de pedal para mantener las ricas sonoridades colgando del pelo.<br><br>Resultan especialmente llamativas las ideas de Dunn sobre la flexibilidad de la propia interpretación. Experimentando con diferentes voicings, te equiparás para tocar de varias maneras y reaccionar a ellas en el momento. De este modo, te prepararás para las condiciones variables que experimentarás en el escenario.

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Garrick Ohlsson

Garrick Ohlsson, una de las figuras más destacadas del pianismo de concierto y uno de los mejores pianistas estadounidenses vivos, se presenta aquí en una conversación al piano para echar un vistazo íntimo a sus años de formación.<br><br>Presentada por Ben Laude, Jefe de Piano de tonebase, la conversación comienza con un tema muy trillado: los concursos de piano. Ohlsson ganó varios de joven, el más famoso de ellos el Concurso Chopin de Varsovia en 1970, al que volvería como juez en 2015. A continuación, Ohlsson habla de su enorme discografía y reflexiona sobre la experiencia de escuchar sus propias grabaciones. Para Ohlsson, el piano es tanto una profesión como un placer, y comparte su rutina matutina ideal con el instrumento.<br><br>Como la mayoría de los grandes pianistas, el arte de Ohlsson lleva la impronta de sus mentores. Ohlsson recuerda a dos de ellos en particular, y cuenta anécdotas sobre cómo tocó Beethoven y Brahms para Rosina Lhevinne y Claudio Arrau.

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Leann Osterkamp

En esta lección, la pianista estadounidense Leann Osterkamp enseña la Sonata en do mayor, Op. 20 nº 1, de Kuhlau. Esta pieza, muy popular entre los intérpretes de nivel intermedio temprano, ofrece muchas oportunidades para desarrollar las habilidades fundamentales del instrumento y, en última instancia, sienta las bases para abordar sonatas clásicas más exigentes de Haydn, Mozart y Beethoven.<br><br>Osterkamp desglosa la obra en sus componentes técnicos y musicales. En primer lugar, se centra en el pegadizo tema principal, revelando su función estructural y proporcionando ideas para dar forma e interpretar el tema a medida que se repite a lo largo de la obra.<br><br>A continuación, Osterkamp profundiza en el siempre importante tema de la coordinación de las manos, dando consejos sobre cómo controlar el bajo Albertis de la mano izquierda y empleando subdivisiones en la práctica para lograr más seguridad en su mecánica y prepararse para tocar más rápido.<br><br>En el resto de la lección, Osterkamp profundiza en cuestiones de digitación, memorización, articulación y pedal, al tiempo que aborda retos técnicos específicos en los tres movimientos.

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Leann Osterkamp

En esta lección, la pianista estadounidense Leann Osterkamp comparte sus conocimientos técnicos sobre la Sonatina nº 1 en do mayor, Op. 36, de Clementi. <br><br> Le anima a mantener las manos en movimiento durante los momentos de descanso para liberar tensiones, reforzar su sentido del ritmo y prepararse para los cambios de posición de las manos. <br><br>Osterkamp también enseña a evitar las prisas en las ejecuciones rápidas dejando caer el peso del brazo al ritmo de la música. Se aprende a utilizar este gesto no como un medio para acentuar las notas, sino más bien como una forma de poner los pies en la tierra. Además, cuando practiques ejecuciones rápidas, Osterkamp te anima a utilizar las digitaciones que conoces bien, las que utilizas para tocar escalas y arpegios. <br><br>Por último, Osterkamp te muestra cómo tocar un bajo Alberti rápido en estilo legato sin sacrificar la claridad y la comodidad. Aprenderás que no tienes que aferrarte a las notas para crear un sonido conectado. En lugar de eso, puedes tocar cada nota con un rebote similar al staccato. A un tempo rápido, tus notas seguirán sonando conectadas, especialmente si incorporas ligeros toques de pedal.

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Leon Fleisher

The late Leon Fleisher, one of the great American pianists of the 20th century, presents a short master class on the iconic exposition of Beethoven's "Waldstein" Sonata with Ben Laude at the piano. Fleisher brings his characteristic conviction to matters of phrasing, voicing, rhythm, and pedal, in an effort to elevate Laude's playing and achieve a level of drama and excitement worthy of Beethoven's score.

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Louis Schwizgebel

Acompañe a Louis Schwizgebel en la exploración de las dos rapsodias de Brahms, Op. 79, que se encuentran entre sus obras más apasionadas, aunque accesibles. La primera, en si menor, es la más grandiosa de las dos, y presenta un trasfondo de inquietud a lo largo de la mayor parte de la obra, excepto en una memorable y tierna sección central.<br><br>Schwizgebel aborda esta lección señalando un puñado de retos y técnicas principales que se repiten a lo largo de la obra, y abordándolos uno a uno. Una de las principales técnicas que hay que desarrollar es la aplicación del peso del brazo, que se requiere tanto en las octavas como en las texturas de acordes, así como en las figuras de tresillos que se encuentran a lo largo de la obra. Schwizgebel muestra cómo llevar el peso de forma adecuada para que los dedos se apoyen en todo el brazo, y cómo tomarse el tiempo tanto para ayudar en la ejecución física como para captar una sensación de resistencia en la música.<br><br>La obra está marcada como "agitato", pero esto no se refiere a un tempo rápido. En su lugar, Schwizgebel muestra cómo enfatizar los silencios y las síncopas dará a la obertura un carácter inquieto ideal a un tempo ligeramente más lento del que suelen favorecer los estudiantes. Esto tiene sus ventajas, ya que permite una mayor continuidad de tempo con los temas subsiguientes, lo que sirve a los objetivos arquitectónicos de Brahms.<br><br>Por último, Schwizgebel examina el tierno tema especial de la parte central de la obra, revelando el dúo entre la mano derecha y la izquierda, así como la misteriosa coda.

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Louis Schwizgebel

Acompañe a Louis Schwizgebel en una lección sobre la exótica y sobrecogedora L'isle Joyeuse de Debussy, un retrato de color, contraste y textura que culmina en pura exaltación.<br><br>La lección está dirigida a los pianistas de nivel intermedio tardío y avanzado, que intentan llevar sus técnicas al siguiente nivel para dominar una de las obras independientes más eficaces de Debussy para piano solo. Schwizgebel adopta un enfoque práctico de la obra, ofreciendo consejos de digitación, así como orientación técnica sobre el toque, la sonoridad y el pedaleo, para que pueda crear el tipo de sonoridades ricas y variadas que exige la obra.

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Louis Schwizgebel

En esta lección, el pianista suizo Louis Schwizgebel le guiará a través del primer movimiento del Concierto para piano nº 1 en do mayor, Op. 15, de Beethoven. En su análisis de la juguetona sección de exposición del movimiento, Schwizgebel le pone a tono con las formas en que Beethoven rompió con las convenciones de su época mediante modulaciones e introducciones temáticas inusuales. <br><br>Schwizgebel también le enseña cómo debe abordar los conciertos de forma diferente al repertorio solista y de cámara: debe aprender a proyectar exagerando su articulación y fraseo y manteniendo un fuerte pulso interior para permanecer unido a la orquesta. Schwizgebel te anima a estudiar la parte de la orquesta, para que sepas cuándo eres el solista, cuándo el acompañante y cuándo estás conversando con la orquesta. <br><br>Por último, aprenderás trucos para abordar pasajes especialmente diferentes manteniendo las muñecas flexibles y rotando los antebrazos.

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Louis Schwizgebel

Acompañe a Louis Schwizgebel en la exploración de las dos rapsodias de Brahms, Op. 79, que se encuentran entre sus obras más apasionadas, aunque accesibles. La segunda, en sol menor, es más compacta que la primera y más colorista, con un impulso inexorable de principio a fin.<br><br>Schwizgebel busca soluciones musicales a los problemas técnicos, como los cruces de mano iniciales. Estos no tienen por qué parecer precipitados, sino que se benefician del tiempo natural que lleva ejecutarlos, ya que los ligeros acentos agógicos resultantes de los cruces de la mano izquierda ayudan a articular y dar forma a la frase ascendente. En los acordes staccato, lo mejor es practicar en grupo para evitar la torpeza, y Schwizgebel muestra cómo evitar la tensión del brazo en las ejecuciones.<br><br>El pasaje polifónico que sigue comprende un tapiz de capas, y Schwizgebel te guía a través del proceso de desmontarlas, practicar cada una de ellas de forma aislada y volver a montarlas para garantizar la claridad y la confianza en la interpretación. El movimiento implacable de la marcha de tresillos que se repite también se beneficia de la práctica de los acordes solos antes de añadir los elementos más pequeños.<br><br>La obra presenta momentos mágicos y surrealistas que no suelen asociarse con Brahms, y Schwizgebel le anima a explorar sonidos de otro mundo con el instrumento.

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Magdalena Stern-Baczewska

Mientras que una pieza como el Minueto en sol entrena las manos y la mente para tocar patrones variados, en su mayoría escalares, en contrapunto a dos partes, el Pequeño preludio en do menor de Bach nos entrena para pensar en términos de armonías verticales, que Bach despliega desde la línea de bajo en forma de acordes rotos. En esta lección, Magdalena Stern-Baczewska revela cómo Bach concibió preludios como éste en términos de notación abreviada conocida como "bajo cifrado". Comprender este diseño compositivo le proporcionará un marco sólido para aprender las notas de la obra y ejecutarla físicamente. Stern-Baczewska le guiará a través de este breve, pero dramático, preludio, ofreciéndole ideas tanto musicales como técnicas que le ayudarán a controlar las figuraciones arpegiadas de la mano derecha y a ofrecer una interpretación impresionante.

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Magdalena Stern-Baczewska

No hay mejor lugar para comenzar su viaje por Bach que con el famoso "Minueto en sol" y su homólogo en sol menor. Atribuidos durante mucho tiempo al propio Bach, los estudiosos han demostrado ahora que los Minuetos fueron compuestos por Christian Petzold, uno de los muchos amigos de Bach que componían piezas cortas para su familia cuando le visitaban. A Bach le gustaron lo suficiente como para incluirlas en un cuaderno de piezas sencillas que regaló a su esposa Anna Magdalena. A pesar de su autoría, la pieza está compuesta en un sencillo estilo contrapuntístico a dos voces que constituye una puerta de entrada ideal a las obras de contrapunto más maduras de Bach.<br><br>Esta lección está dirigida a estudiantes de todas las edades con al menos cierta exposición al teclado y a la notación en pentagrama. Magdalena Stern-Baczewska ofrece una guía paso a paso para comprender los patrones musicales y traducirlos en elegantes acciones físicas en el teclado. Más que una simple lección de repertorio, te introduce en muchos conceptos básicos de teoría musical, técnica pianística y estilo barroco, estableciendo una base musical sobre la que continuar construyendo en lecciones posteriores.

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Magdalena Stern-Baczewska

Ha llegado a la Primera invención de Bach, una de las piezas fundamentales en el desarrollo de un pianista. Según el prefacio manuscrito de Bach a las Invenciones en dos y tres partes, estas piezas estaban destinadas a los melómanos interesados en mejorar su técnica al teclado y su comprensión de la composición. La Invención nº 1 en do mayor, BWV 772, es la primera de las quince escritas a dos partes. Bach le anima a estudiarlas cuidadosamente y a desarrollar un estilo de interpretación fácil y cantabile, momento en el que estará listo para pasar a las Invenciones a tres partes, o "Sinfonías"."<br><br>Con este espíritu, Magdalenz Stern-Baczewska aborda esta lección, guiándole a través de la Primera invención, introduciéndole en los principales conceptos del contrapunto avanzado a dos partes -incluyendo motivos, imitación, inversión, aumento, modulación y secuencia- mientras le demuestra cómo abordar la pieza técnicamente para realizar dos "voces" cantadas independientes. La lección también sirve para orientarle sobre los principios de la práctica interpretativa barroca y enseñarle a aplicarlos en el piano moderno, con especial atención a la articulación, el fraseo y la ornamentación.

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Magdalena Stern-Baczewska

Aunque solemos asociar el virtuosismo con obras de la talla de Chopin, Liszt y Rachmaninoff, Bach no era ajeno a los pasajes rápidos, brillantes y técnicamente exigentes en el teclado: la "Fantaisie y fuga cromática" y las "Variaciones Goldberg" se encuentran entre las cumbres del virtuosismo barroco en el teclado. Ya en las Invenciones, Bach desafía al pianista en desarrollo con una escritura contrapuntística deslumbrante, sobre todo en la Invención nº 8 en fa mayor, BWV 779. Magdalena Stern-Baczewska muestra cómo la clave para dominar los obstáculos atléticos de la pieza reside en el cultivo de la independencia entre las manos. Esta independencia física se corresponde con la independencia de las dos partes móviles, de modo que el logro técnico de coordinar las dos manos es a la vez un logro musical. A través de perspicaces demostraciones, Stern-Baczewska le presenta un régimen para desarrollar sus dedos y su oído, y -como siempre- tocar con distinción y buen gusto.

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Magdalena Stern-Baczewska

Uno de los mayores hitos en el desarrollo de un pianista es la progresión de tocar las Invenciones a dos partes de Bach a sus Invenciones a tres partes, también llamadas "Sinfonías". La razón es bastante sencilla: los humanos tenemos dos manos, no tres, así que el trabajo de cultivar la independencia de las manos se transforma en una independencia más granular de los dedos. A medida que una tercera voz viaja entre las manos, la tarea de coordinar las tres voces se vuelve significativamente más difícil. En la Sinfonía nº 9 en fa menor, BWV 795 -que Sir Andras Schiff califica como la mayor de todas las Invenciones- Bach imparte una clase magistral de polifonía a tres voces.<br><br>Como señala su instructora, Magdalena Stern-Baczewska, la mayoría de los recursos básicos utilizados en las fugas de Bach ya se encuentran aquí. Ella le mostrará los sutiles movimientos físicos que le permitirán equilibrar dos voces en la misma mano preservando el carácter independiente de cada motivo. De este modo, le da las herramientas para comprender el mensaje musical de la obra, que es profundo. Combinando un lamento descendente, un motivo suspirado y un contrapunto discordante, Bach infunde a esta obra un simbolismo religioso que culmina con la transformación de la oscuridad en luz en la cadencia final.

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Nicolas Namoradze

En esta lección, el pianista georgiano Nicolas Namoradze le guiará a través de la Arabesca en do mayor, Op. 18, de Schumann, a la que califica como una de las piezas más "encantadoramente bellas del repertorio pianístico". <br><br>Namoradze desglosa la forma de rondó de la obra y le ofrece estrategias para resaltar la "lógica, coherencia y organicismo" de sus secciones contrastantes. También explorará formas de variar la sección A repetida para que suene siempre fresca. <br><br>Además de perfeccionar sus habilidades interpretativas, Namoradze comparte con usted sus conocimientos técnicos sobre la voz y el legato. Cuando practiques pasajes que requieran tocar varias voces al unísono rítmico, Namoradze sugiere que practiques arpegiándolas lentamente. "Romper" así las voces le permitirá centrar su atención en cada una de ellas. También te anima a prestar la misma atención a los detalles en el legato. Le aconseja que practique pulsando las teclas en silencio, añadiendo presión gradualmente hasta que empiece a percibir un sonido. Este ejercicio, si se realiza con un ataque lento y constante, le pondrá en sintonía con el funcionamiento interno del mecanismo de acción del piano y le revelará las infinitas gradaciones de pulsación que tiene a su disposición.

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Nicolas Namoradze

Acompañe al galardonado pianista Nicolas Namoradze en una perspicaz lección sobre una de las primeras obras de Scriabin, el famoso Etude in C-sharp minor, Op. 2 No. 1. La meticulosa atención de Namoradze a cada elemento de esta obra le ayudará a captar su sombría atmósfera emocionalmente desgarradora. La meticulosa atención que Namoradze presta a cada elemento de esta obra le ayudará a captar su atmósfera sombría y emocionalmente desgarradora.<br><br>Tras una breve reseña de la historia de este estudio, Namoradze examina detenidamente las características de esta pieza. Su estructura de frases guarda algunas sorpresas, además de las típicas frases de dos y cuatro compases, ¡también tiene algunas con cinco compases! A menudo incluyen modulaciones inesperadas y mercuriales. Aprovecha estos giros en las frases asimétricas, así como su insistencia.<br><br>Esto lleva a Namoradze a una observación sorprendente: un buen rubato debe revelar la estructura, no oscurecerla. Por eso, asegúrate de que los pequeños remolinos en el flujo musical no interrumpan la trayectoria de la frase. También sugiere otras estrategias, como hacer que el rubato sea más gradual y suave en su ejecución, y también mantener la voz y la expresión nítidas para poder mantener la tensión aunque te tomes tu tiempo.<br><br>Para maximizar el impacto emocional de esta breve pero conmovedora obra, necesitarás también otros medios: una melodía legato a pesar de la espesa textura, riqueza en la armonía y capas de contrapunto, y una elección de dinámicas cuidadosamente estructurada. Namoradze tiene respuestas para todo ello: ejercicios para exagerar adecuadamente la voz de la melodía, mantener la ilusión del legato con un toque sonoro y lleno de presión y manteniendo las manos cerca de las teclas, un pedaleo matizado para conectar y mostrar la armonía (¡incluso levantando el pie del suelo a veces!), y utilizar el toque silencioso para entrenar cuidadosamente el toque. Prestando especial atención a las marcas dinámicas, Namoradze muestra que hay que regular la dinámica, reservando la magia para el momento más suave, marcado como pianississimo. Este enfoque comparativo ayuda a interpretar las sorpresas expresivas de Scriabin en la recapitulación para que sepas exactamente dónde darlo todo y cuándo morir.

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Nicolas Namoradze

En esta lección, el pianista georgiano Nicolas Namoradze comparte sus ideas sobre el bellísimo Etude en fa sostenido mayor, Op. 42 nº 4, de Scriabin. Las observaciones de Namoradze sobre el estilo, la variedad del toque, el rubato y la elaboración de frases elocuentes le conducirán al universo expresivo de Scriabin.<br><br>Namoradze comienza la lección situando este estudio en el contexto del estilo cada vez más rompedor de Scriabin y su posición como un respiro lírico de los otros estudios Op. 42 que parecen girar incesantemente. Las ondas más suaves de esta pieza aún requieren una cuidadosa atención: como parte de su análisis de la estructura de la frase, Namoradze explora la "microdinámica", pequeñas ondas dentro de la amplitud de una frase. Utiliza este ejemplo para mostrar cómo elaborar una frase hermosa, describiendo la sutil relación que debe existir entre la dinámica y el ritmo para mantener el flujo musical.<br><br>Para captar la sensualidad de la música de Scriabin, Namoradze muestra cómo cultivar un legato realmente cantarín, incluso "viscoso", así como una sonoridad campaniforme de contraste. Para el legato, los consejos de Namoradze incluyen la retención, un ligero "emborronamiento", llegar a las notas con antelación y, por último, presionar y soltar muy lentamente. Se trata de una explicación muy clara, paso a paso, de uno de los temas más importantes (y a la vez esquivos) de la interpretación pianística.<br><br>Por último, Namoradze aborda la naturaleza del rubato y nos desvela un pequeño secreto: al tocar Scriabin, si el contexto exige un grado especial de anticipación o vacilación, ¡no siempre es necesario que las manos estén sincronizadas!

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Nicolas Namoradze

La revista Gramophone se refiere a Nicolas Namoradze como "el tipo de músico cuyo arte es como una novela absorbente en la que apenas puedes esperar a lo que viene a continuación". En esta lección sobre el ominosamente heroico Etude en do sostenido menor, Op. 42 n.º 5, de Scriabin, Namoradze aporta su capacidad para comunicar narrativas musicales con sus dotes analíticas, desmenuzando la estructura de frases de la obra y los retos pianísticos.<br><br>Para Namoradze, este Etude es el centro de gravedad del conjunto Op. 42 de Scriabin. El carácter amenazador de su primer tema da paso a una de las melodías más altisonantes y jubilosas jamás compuestas. El Etude presenta muchos retos coreográficos y de resistencia, y Namoradze demuestra cómo el esfuerzo por la claridad de la textura puede ayudar a aportar más transparencia y contorno al arco dramático, a la vez que fomenta una mayor facilidad en el exigente pasaje físico.

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Norman Krieger

¿Qué hay en la técnica de un gran pianista que le permite un control tan prístino y un arte tan refinado? Tras presenciar de cerca las interpretaciones de muchos de los pianistas legendarios de los siglos XX y XXI, el profesor Norman Krieger, de la Universidad de Indiana, ha identificado un arma secreta común a su arsenal técnico: el movimiento de la muñeca. Krieger muestra cómo, mediante sutiles impulsos "eléctricos" de la muñeca, pianistas de la talla de Hofmann, Rubinstein y Arrau han logrado una facilidad y un control artístico excepcionales en diversos repertorios de concierto. Aunque es fácil caracterizar a estos artistas como genios divinamente dotados cuya musicalidad trasciende la técnica, emplean movimientos objetivos que los simples mortales podemos observar e intentar reconstruir en nuestra propia interpretación. Basándose en pasajes famosos del repertorio de Bach, Mozart, Beethoven, Chopin, Brahms, Tchaikovsky, Rachmaninoff y Gershwin, Krieger demuestra cómo desarrollar una muñeca ágil para utilizar un arma secreta en la sonoridad, el estilo y el virtuosismo.

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Norman Krieger

Obra maestra de la textura y el lirismo, el Etude Op. 25 n.º 1 del "Arpa eolia" de Chopin es un estudio accesible de los opuestos: cómo tocar con ligereza con la parte fuerte de la mano y con audacia con la parte débil. Acompañe al Director del Departamento de Piano de la Universidad de Indiana, Norman Krieger, en su exploración de lo que él llama un "regalo para la muñeca". Centrándose siempre en la belleza y el matiz del tono, Krieger identifica y analiza las exigencias mecánicas de la pieza a la vez que ofrece técnicas de práctica creativas para hacer que el acto físico de tocar esté supeditado a la música.

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Peter Dugan

Debussy es famoso por el color embriagador y las imágenes que podía evocar al piano, lo que resulta evidente de inmediato en los primeros compases de su Arabesque n.º 1. Una de las introducciones más populares de Debussy entre los pianistas en formación, esta joya de pieza es un estudio de fluidez y líneas entrelazadas. Una de las introducciones más populares a Debussy entre los pianistas en desarrollo, esta joya de pieza es un estudio de fluidez y líneas entrelazadas. Acompañe al pianista, improvisador y presentador de From the Top Peter Dugan en su recorrido por el Arabesco pasaje a pasaje, revelando la magia de la pieza y enseñándole la coreografía práctica necesaria para realizarla al piano.

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Peter Dugan

Pocas piezas de música para piano son tan sencillas, y a la vez tan ricas, como la entrañable La fille aux cheveux de lin, "La muchacha de los cabellos de lino", de Debussy. En esta lección, el presentador del programa "From the Top" de NPR, Peter Dugan, se adentra en la ternura y calidez de la obra y ofrece consejos para captar su magia pasaje a pasaje. Aunque los colores de la obra son embriagadores, los estudiantes a menudo se quedan con los pies atascados en la pintura de Debussy. Dugan les muestra el poder de observar los ritmos precisos indicados en la partitura, dar forma a las frases y generar movimiento hacia el clímax. Al mismo tiempo, es crucial controlar el contenido armónico y melódico de la obra a través de un cuidadoso voicing y pedal, y Dugan muestra cómo utilizar la sustitución de dedos para crear frases legato y evitar el sobreborde. Por último, Dugan disfruta de los momentos mágicos del Preludio y le muestra la técnica necesaria para capturar su calidez y tranquilidad y ofrecer una bella interpretación propia.

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Peter Dugan

Póngase al ritmo de Gershwin con Peter Dugan, presentador del programa From The Top de NPR. Los tres preludios de Gershwin logran un gran equilibrio: son lo bastante sencillos como para que los toquen aficionados, pero también lo bastante brillantes como para cautivar al público. <br><br>La lección de Dugan sobre el primer preludio aborda todos los aspectos de cómo tocar Gershwin con auténtico estilo: cómo la articulación y la dinámica ayudan a que el ritmo resalte; cómo tocar de forma natural con un pulso vibrante; la digitación para que sea fácil y punzante de tocar; consejos sobre saltos y cruces de manos; cómo lanzar la mano a los gestos en lugar de aspirar a una perfección incómoda; y lo más importante, cómo forjar una conexión auténtica con el público. También incluye consejos sobre cómo ponerse en el estado de ánimo adecuado, ¡improvisando un preludio del preludio!

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Rebecca Penneys

Únase a la célebre pianista estadounidense Rebecca Penneys en una lección sobre una de las piezas más cautivadoras de Chopin: su Berceuse en re bemol mayor, Op. 57. Su perspicacia técnica, física y de colocación le proporcionará las herramientas que necesita para dominar el estilo suave pero de estudio de esta obra.<br><br>En su recorrido por la pieza, Penneys llama la atención sobre el género de la obra (canción de cuna), el papel de la breve "vamp" que abre la pieza, la rica mezcla de armonías en largos pedales, así como el desarrollo de las variaciones de la Berceuse y su relación con muchos conceptos que Chopin explora más a fondo en sus 24 Etudes, Op. 10 y 25. Toca muchos ejemplos de los etudes de Chopin. Toca muchos ejemplos de los estudios que están relacionados con pasajes de la Berceuse, demostrando los enfoques físicos específicos necesarios para tocarlos con fluidez: no sentarse demasiado cerca, muñeca alta, rotación, dedos pivotantes, peso en el lado exterior de la mano, impulsos de energía, mapeo físico, pedaleo de los dedos y mucho más. Este vocabulario físico matizado le ayudará a tocar la Berceuse con elegancia y flexibilidad.<br><br>Penneys concluye con sus reflexiones sobre la práctica con las manos separadas y muy lenta.

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Rebecca Penneys

Rebecca Penneys, profesora emérita de la Eastman School of Music, se sienta con Ben Laude, jefe de piano de tonebase, para mantener un amplio debate sobre la interpretación y el arte del piano. Sentada en su Steinway "Ferrari" de St. Pete Beach (Florida), Penneys nos revela su filosofía holística de la música, que integra la mecánica de los dedos, la mano y el brazo con la conciencia del oído y la mente, con una experiencia sensual de todo el cuerpo viviendo en el mundo. De Chopin y la danza a los cruceros con delfines y el chocolate, Penneys revela el arte del piano como una fuerza para el bien en el mundo, individual y socialmente. Grabado en julio de 2019.

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Rebecca Penneys

La profesora emérita de la Escuela de Música Eastman, Rebecca Penneys, le guiará a través del íntimo y misterioso Nocturno en do sostenido menor, Op. 27 nº 1 de Chopin.<br><br>Retrato de la oscuridad que se transforma en luz, esta obra resulta eficaz cuando se combina con el segundo Nocturno del mismo opus, en re bemol mayor. Penneys comparte su visión personal del Nocturno en do sostenido menor, desarrollada a lo largo de muchas décadas de experiencia en la enseñanza y la interpretación de la obra. Los temas incluyen las posiciones extendidas de la mano izquierda de Chopin, el rubato romántico, la voz y el pedaleo. Ofrece orientación técnica e interpretativa sobre la turbulenta y modulante sección B, y le reta a recomponer la coda: no para mejorar a Chopin, sino para darse cuenta de lo que hizo que sus decisiones compositivas fueran tan impresionantes.

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Rebecca Penneys

En esta lección, la pianista estadounidense Rebecca Penneys le guiará a través del Nocturno en re bemol mayor, Op. 27, nº 2, de Chopin. <br><br>En primer lugar, aprenderá estrategias para interiorizar los tres temas diferentes que distinguen este nocturno de los demás de la obra de Chopin. Aunque Penneys le guiará a través de las progresiones armónicas del compositor en detalle, le dice que conocer las tonalidades y la forma de la obra no es suficiente para aprenderla de verdad. <br><br>Más bien, le anima a explorar formas de variar el fraseo, la articulación y la ornamentación, tanto para distinguir entre figuras repetidas como, lo que es más importante, para perfeccionar su propia interpretación de la música. <br><br>Por último, aprenderá a adaptar su pedaleo, trinos y rubato a las exigencias estilísticas de esta pieza.

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Rebecca Penneys

En esta lección, la pianista estadounidense Rebecca Penneys te guía por el Vals en la bemol mayor, Op. 34 nº 1, de Chopin. En primer lugar, aprenderás los pasos básicos de un vals y descubrirás la importancia del primer tiempo, que es el que tiene más peso en este estilo de danza de tres compases. A continuación, Penneys le enseñará a desplazar la parte superior del cuerpo manteniendo el equilibrio en el banco del piano. Desarrollar este tipo de movimiento lateral le ayudará a sortear los diversos saltos que se producen a lo largo de esta pieza y de muchos otros valses. <br><br>Muchas de las obras para piano de Chopin requieren dedos rápidos, y este vals no es una excepción. El peso muerto inhibe su destreza, y Penneys le anima a tener cuidado con sus dedos cuando no están tocando notas. El pulgar y el meñique, por ejemplo, son las "ruedas de entrenamiento" de tu mano, y si alguno de ellos sobresale o se deja desatendido, pones en peligro tu agilidad. Por último, Penneys te enseña a ejecutar notas rápidas repetidas en el contexto de ritmos con puntillo, que aparecen en esta obra y en muchos otros valses, mazurcas y polonesas.

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Rebecca Penneys

Acompañe a la célebre pianista estadounidense Rebecca Penneys en un amplio análisis de los conceptos fundamentales que sustentan una interpretación expresiva y fluida del piano. Basándose en parte en su formación temprana como bailarina, Penneys revela la naturaleza inextricable de la fisicalidad y la expresividad o, como ella dice, "el movimiento y la emoción" al piano.<br><br>Penneys comienza describiendo cuatro principios básicos de la técnica pianística: permanecer cerca de las teclas para facilitar la ejecución de las notas sueltas; la rotación en las escalas; el uso de los brazos en los arpegios; y la colocación eficaz en acordes y octavas. Cada una de estas ideas ayuda a minimizar la tensión y hace posible (e incluso fácil) tocar con belleza.<br><br>Desde el clavicémbalo hasta los pianos de la época de Chopin y Liszt, las ideas recogidas de los instrumentos históricos influyen en nuestra forma de tocar el piano moderno: cambios en la posición física, la digitación y la paleta de sonidos. Estos ajustes forman parte de la tarea del pianista, moldear la voz del piano -cualquier piano- para crear el paisaje sonoro deseado. Los consejos de Penneys para "doblar" el sonido ayudan a conseguir un legato suave y cantarín en diferentes instrumentos reduciendo el ruido del mecanismo del piano (pista: utilice la parte superior del brazo para suavizar y ralentizar las pulsaciones).<br><br>Penneys concluye su lección explorando "el movimiento y la emoción". La compostura física tiene un efecto directo en el carácter de la música: si te sientes acalambrado o artificialmente constreñido, la música también lo estará. Penneys habla del arte pictórico de pedalear con los dedos, como si se aferraran a estas bellas sonoridades, así como de lo contrario: ¡las liberaciones necesarias para que la música siga avanzando!<br><br>A lo largo de la lección hay anécdotas de encuentros memorables con grandes figuras como Arthur Rubinstein y Oliver Sacks, que dan fe del extraordinario poder de la expresividad física.

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Sara Davis Buechner

La Fantasía en re menor de Mozart es para muchos pianistas una de las primeras introducciones a las obras para piano del compositor. Como subraya Sara Davis Buechner, también es una ventana al mundo operístico de Mozart.<br><br>"Aquí tienes en miniatura todos los elementos del drama mozartiano", señala Buechner. En su lección, revela cómo la obra retrata un movimiento entre el caos y el orden, que comienza con un turbulento "Sturm und Drang" en re menor y culmina con la claridad y el equilibrio del tema final en re mayor.<br><br> A la vez que pone en primer plano los cambios de carácter que definen la forma de la obra, Buechner también destaca las convenciones estilísticas que definen la interpretación de Mozart en general, y demuestra cómo abordarlas física y expresivamente.<br><br>En medio de su exploración musical de la obra, Buechner ofrece una gran cantidad de consejos prácticos, a menudo dirigidos al intérprete de nivel intermedio. Desde la memoria, la digitación y los consejos prácticos hasta las escalas, los arpegios y los trinos sostenidos, Buechner se dirige a pianistas y amantes de la música de distintos orígenes.

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Sara Davis Buechner

Acompañe a la especialista en Mozart Sara Davis Buechner en su aprendizaje del primer movimiento de la encantadora Sonata en sol mayor, K. 283. La sonata es una excelente introducción a la escritura pianística de Mozart para intérpretes de nivel intermedio, a la vez que una obra maestra digna de un concierto. La sonata es una excelente introducción a la escritura pianística de Mozart para intérpretes de nivel intermedio, sin dejar de ser una obra maestra digna del escenario de un concierto.<br><br>Buechner equilibra hábilmente los consejos técnicos y expresivos mientras le guía a través de la exposición, el desarrollo y la recapitulación. Los temas incluyen: Técnica del bajo Alberti, modelado melódico, práctica de escalas y arpegios, ligados de dos notas, ornamentos, ¡y mucho más!

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Sara Davis Buechner

Mozart era famoso por sus melodías, y el primer movimiento de su Sonata en Fa Mayor, K. 332, está lleno de ellas. Acompaña a Sara Davis Buechner mientras te enseña cómo hacer cantar a tus dedos en esta pieza memorable.<br><br>Buechner muestra cómo Mozart abre con la más simple y elegante de las líneas antes de responder con un toque de contrapunto, ofreciendo consejos sobre la ejecución de los ligados de Mozart para conseguir una línea cantarina. El segundo tema anticipa el Rigoletto de Verdi, y Buechner revela técnicas para generar frases líricas y operísticas. Técnicamente, la obra presenta desafíos de polirritmias y legato de notas dobles, cada uno de los cuales puede dominarse mediante técnicas de práctica específicas que Buechner demuestra.<br><br>La pieza es una narración dramática, y Buechner insiste en comprender el drama del desarrollo de las relaciones temáticas y tonales de la obra como la clave para dar forma a una interpretación convincente.

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Seymour Bernstein

Acompañe a Seymour Bernstein en la presentación de algunas de sus piezas favoritas del popular Álbum para jóvenes, Op. 68, de Schumann. En esta introducción, Bernstein muestra su amuleto de la buena suerte: una tetera que perteneció a Robert y Clara Schumann.

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Seymour Bernstein

Únase a Seymour Bernstein y Ben Laude en la casa de campo de Seymour en la costa atlántica de Maine para tres lecciones íntimas sobre obras populares intermedias del repertorio pianístico. Ben presenta a Seymour una Invención de Bach, una Fantasía de Mozart y un Preludio de Chopin, e invita al pianista de 96 años a compartir su sabiduría sobre cómo interpreta cada pieza. Los resultados son encantadoras exploraciones de las posibilidades expresivas del piano entre amigos de dos generaciones diferentes.

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Sara Davis Buechner

La Sonata en do mayor, K. 545, de Mozart es una de sus obras más populares, a menudo intentada por jóvenes estudiantes durante la primera fase de su desarrollo al piano. Esta llamada "sonata fácil", como explica Sara Davis Buechner, es más que un juego de niños. Requiere una gran habilidad para ejecutar las texturas y líneas engañosamente sencillas de Mozart.<br><br>Mozart pretendía que esta sonata fuera una pieza didáctica para los jóvenes músicos, nos dice Buechner, no sólo en su desarrollo como pianistas, sino también como compositores. Es un modelo de forma sonata, con algunas modulaciones sorprendentes que sirven para desafiar la musicalidad del estudiante y estimular su creatividad.<br><br>Recorriendo paso a paso cada uno de los tres movimientos, Buechner destaca los retos a los que los estudiantes suelen enfrentarse en su formación inicial -escalas, arpegios y trinos- y muestra cómo conceptualizarlos y practicarlos para ganar facilidad y estilo. Al mismo tiempo, Buechner ofrece consejos de alto nivel que inspirarán a los pianistas menos avanzados a alcanzar nuevas cotas, al tiempo que animarán a los estudiantes más serios a perfeccionar sus propias habilidades.

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Seymour Bernstein

Únase al legendario pedagogo Seymour Bernstein en una fascinante y divertida entrevista y lección sobre Beethoven, conducida por el Jefe de Piano de tonebase, Ben Laude.<br><br>Ben interpreta para Seymour dos bellos movimientos lentos que cierran la obra de Beethoven: el temprano 'Adagio Cantabile' de su Sonata Patética, Op. 13, y la Bagatela 'Andante, Cantabile e grazioso' de su última obra para piano, Op. 126. Esclarecedor y entretenido a partes iguales, Seymour se centra en el enfoque físico y expresivo de Ben a la hora de interpretar a Beethoven al piano, buscando el rubato justo y ayudándole a encontrar la forma más poética de pronunciar cada frase.

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Seymour Bernstein

Acompañe a Seymour Bernstein en su reintroducción a una de las obras más populares y trágicas de Chopin, el Preludio en mi menor, Op. 28 n.º 4. En esta lección en profundidad, Bernstein no sólo demuestra la mecánica física necesaria para realizar sus intenciones expresivas en esta obra, sino que revela cómo el Preludio contiene información crucial para su desarrollo general como pianista.<br><br>Después de interpretar la obra, Bernstein aborda la línea melódica de apertura, mostrando cómo ejecutar correctamente un ligado de dos notas para que llore con Chopin. La primera frase demuestra la predilección de Chopin por la armonía cromática, y Bernstein te ayuda a navegar por los acordes de la mano izquierda al tiempo que te recuerda que debes mantenerte dentro del marco métrico adecuado, 'alla breve'.<br><br>Aunque la interpretación depende en última instancia de ti, hay algunos aspectos de la música que están grabados en piedra. Bernstein, refiriéndose al manuscrito original, llama la atención sobre la colocación de las "horquillas" por parte de Chopin, antes de revelar un descubrimiento que hizo sobre su correcta interpretación. Según Brahms y Fanny Mendelssohn, las horquillas indican no sólo un aumento de la dinámica, sino también flexibilidad rítmica.<br><br>Bernstein pasa a hablar de la influencia de Bach en Chopin, como demuestra la textura coral a cuatro voces que impregna la obra, y demuestra cómo expresar correctamente las notas individuales de un acorde. Por último, muestra cómo equilibrar correctamente las dos manos para lograr un crescendo eficaz.<br><br>Estas ideas no sólo pretenden mejorar su interpretación, sino también desarrollar su bienestar emocional, intelectual y físico como ser humano.

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Seymour Bernstein

Acompañe a Seymour Bernstein a través de "probablemente la pieza para piano más popular jamás escrita": Für Elise. En su lección, Bernstein ofrece consejos prácticos detallados sobre la página inicial para los estudiantes que se acerquen a ella por primera vez.<br><br>La clave para conseguir un legato cálido en la primera frase es la rotación, subraya Bernstein, que comienza levantando ligeramente el dedo pero se apoya en la muñeca y el antebrazo. Bernstein también aclara cómo interpretar las dinámicas y las marcas de pedal de Beethoven, lo cual es crucial para producir un sonido idiomático.<br><br>Bernstein profundiza después en las secciones restantes de la obra, muy olvidadas, proporcionando consejos técnicos y musicales, así como un análisis de la forma y el carácter de la obra en su conjunto. Termina con una interpretación completa.

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Seymour Bernstein

En este vídeo, Seymour Bernstein interpreta la primera composición de Mozart, un Minueto en Sol escrito a los cuatro años. Incluso tratándose de un genio como Mozart, cabría esperar que una obra tan temprana fuera rudimentaria, pero no, está impecablemente construida y es muy entrañable.<br><br>Sigue la estructura típica del minueto: Forma ABA consistente en una serie de frases de ocho compases perfectamente regulares, cada una repetida.

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Seymour Bernstein

En este vídeo, Seymour Bernstein interpreta una de las obras más populares y trágicas de Chopin, el Preludio en mi menor, Op. 28 nº 4. A pesar de sus pequeñas dimensiones, este preludio encierra un mundo de emociones profundamente dolorosas. Su melodía parece atrapada, una serie interminable de suspiros, interrumpida por un único arrebato apasionado, y apuntalada por armonías cromáticas que se hunden sin cesar. Para más información, vea la lección de Bernstein sobre esta pieza.

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Ursula Oppens

La pianista estadounidense Ursula Oppens es una de las intérpretes más destacadas de la música contemporánea del último medio siglo, habiendo trabajado estrechamente con artistas de la talla de Elliott Carter, Frederic Rzewski y Conlon Nancarrow, entre otros. Acompañe a Oppens en su debate sobre las alegrías y los retos de la música contemporánea con Ben Laude, Jefe de Piano de tonebase. La primera parte del debate se centra en Elliott Carter, cuya música completa para piano puede escucharse en el reciente álbum de Oppens nominado al GRAMMY "Oppens Plays Carter". La conversación se amplía a partir de ahí, tocando los beneficios que el estudio de la música contemporánea aporta a la musicalidad en general, las innovaciones en el timbre y la métrica en la música del siglo XX, y los ideales democráticos a menudo incomprendidos incrustados en la estética de la música contemporánea.

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Simone Dinnerstein

En esta introducción a la serie Realizing Bach, la pianista estadounidense Simone Dinnerstein expone los retos a los que se enfrenta el pianista a la hora de interpretar el Concierto para teclado en re menor, BWV 1052, de Bach. La investigación en solitario de Dinnerstein sobre las posibilidades de articulación, tono y fraseo culmina con una colaboración con miembros del conjunto de cuerda Baroklyn. A través de sus ideas, Dinnerstein es capaz de resolver los problemas planteados en su investigación inicial, y realizar una interpretación convincente del concierto de Bach con instrumentos modernos.

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Boris Giltburg

El nombre "Rachmaninoff" se ha vuelto sinónimo de la pasión, el patetismo y el poder de la música del compositor. En ninguna parte se exhiben más estas cualidades que en la música de Rachmaninoff para piano y orquesta. En esta serie, Ben Laude se sienta al piano con uno de los exponentes más importantes de Rachmaninoff de la actualidad, Boris Giltburg, para una apasionante inmersión en la impresionante tetralogía de conciertos para piano de Rachmaninoff.

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Ursula Oppens

Únase a Ursula Oppens, cinco veces nominada al Grammy, en una esclarecedora lección sobre la obra para piano más popular de Elliott Carter, Caténaires ("Cadenas"). Cualquiera que intente dominar esta obra espinosa y modernista necesitará una visión experta, y Oppens está perfectamente equipada para ayudar a desenredar las dificultades: su nominación a los Grammy 2009 fue por una grabación de la obra completa para piano de Carter.<br><br>En la lección, Oppens comienza con una mirada a los orígenes de la obra y las influencias estilísticas, mostrando el interés de Carter por el jazz y el canon clásico, en particular la conexión de Caténaires con la tradición de los estudios para piano que se extiende desde Chopin a Debussy y Ligeti. Estas ideas contextuales van seguidas de consejos prácticos para lograr una articulación consistente sin legato, elegir un tempo, practicar despacio y redistribuir.<br><br>Oppens también arroja luz sobre la estructura de la pieza, guiándote a través de cada sección para que nunca te sientas perdido en el incesante flujo de semicorcheas. Al ahondar en los cambios armónicos inesperadamente lentos de Carter (a través de un énfasis obsesivo en varios conjuntos de tonos), el uso de diferentes registros y las marcas dinámicas poco realistas, Oppens muestra cómo Carter delimita las diferentes secciones, crea un flujo narrativo y llega a los momentos culminantes.

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Vadym Kholodenko

Únase al medallista de oro del Concurso Cliburn 2013, Vadym Kholodekno, que comparte las ideas de su ilustre profesora en el Conservatorio de Moscú, la difunta Vera Gornostaeva. Kholodekno forma parte de toda una generación de pianistas que salieron del estudio de Gornostaeva y alcanzaron el éxito internacional.<br><br>En esta lección, identifica tres principios fundamentales que Gornostaeva recalcaba a sus alumnos. El más importante era el sonido. No hay una única forma de tocar que pueda conseguir un sonido bello, ni la categoría de "sonido bello" es útil. Más bien, hay sonidos específicos que los pianistas deben crear para realizar su intención expresiva.<br><br>Estas intenciones expresivas se amplían al ámbito de la estructura, que Gornostaeva entendía como una sintonía con el desarrollo rítmico de una obra. Por último, las consideraciones técnicas nunca se abordan en abstracto, sino que sólo se hacen al resolver problemas musicales. Kholodenko demuestra cada principio con ejemplos de Beethoven, Schubert, Chopin, Liszt, Chaikovski y Scriabin.

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Jarred Dunn

Jarred Dunn presents a comprehensive guide to Chopin's Mazurkas. In this course, he discusses how to interpret the mazurkas, historical context and the hidden dances, as well as style, expression and lessons on specific mazurkas.

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Nikolai Lugansky

La música de Rachmaninoff conmueve el corazón como pocas. Pero, ¿por qué nos afecta tan profundamente? El famoso intérprete de Rachmaninoff Nikolai Lugansky comparte sus respuestas en Rachmaninoff: Estilo y Simbolismo, un curso que explora las ideas que encendieron la (muy activa) imaginación del compositor: muerte, campanas, cantos, imágenes evocadoras, claves simbólicas y mucho más.

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Garrick Ohlsson

Si el 2º Concierto de Rachmaninoff es el tipo de música que se podría utilizar para componer una película, su 3º Concierto es el tipo de música sobre la que se hacen películas. El llamado "Rach 3" fue uno de los principales antagonistas de la oscarizada película de 1996, que reafirmó el estatus mitológico del Concierto como una de las piezas más traicioneras jamás escritas para piano, o para cualquier instrumento. En este curso de seis lecciones, Garrick Ohlsson se propone desmitificar los retos técnicos de la obra y revelar la economía de medios que subyace a la aparentemente infinita superficie de notas. Tanto si es lo suficientemente valiente como para intentar tocar el Concierto, como si está tan asombrado por él que está dispuesto a embarcarse en un viaje de 4 horas por el interior de la música, o simplemente si Garrick Ohlsson le parece irresistible, ¡este curso es para usted!

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Claire Huangci

En este curso, Claire Huangci enseña cómo tocar notas repetidas comenzando con un dedo hasta usar todos los 5. Enseña cómo equilibrar la velocidad con la potencia y la forma correcta de usar el dedo, la muñeca y el brazo.

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Ben Laude

En este curso, Ben Laude enseña los fundamentos del ritmo y el compás, comenzando con los conceptos básicos de los valores de las notas y las firmas de tiempo, llevando a polirritmias complejas, síncopas y cómo sentir el ritmo en su núcleo.

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Dominic Cheli

En este curso, Dominic Cheli te guiará a través de los fundamentos para tocar arpegios en 1 octava, hasta desarrollar velocidad, precisión y relajación en virtuosos arpegios de 4 octavas.

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Evan Shinners

El Preludio en do mayor BWV 846 de Bach, una de las obras para piano más conocidas de la historia, es también una de las más incomprendidas. Evan Shinners, artista de Yamaha y gurú de Bach, vuelve a presentarle la obra en su contexto histórico como un estudio para sus oídos.<br><br>El Clave bien temperado de Bach no sólo era una base de datos de técnicas de composición y una exhibición de ingenio creativo, sino también un tratado sobre la composición en todas las tonalidades. El "temperamento igual" moderno no era más que uno de los muchos sistemas "bien temperados" que permitían una transposición ilimitada, y no el esquema de afinación preferido por Bach en sus 48 Preludios y Fugas. Shinners analiza cómo cada clave seguía teniendo proporciones y caracteres sutilmente diferentes, y el primer Preludio es un llamamiento de Bach a abrir los oídos y absorber la miríada de relaciones entre terceras mayores y menores.<br><br>Ajustarse a la entonación de su instrumento informará directamente su interpretación: su elección del tempo y su decisión de utilizar el pedal. Mientras tanto, "clavecín" era un sustantivo colectivo en alemán que se refería a una serie de instrumentos de teclado, y considerando qué instrumento tenía Bach en mente para el Preludio. A medida que se desarrolla la obra, Bach comprime una frase de manera que agudiza el suspense del desarrollo armónico, un hecho que los editores del siglo XIX pasaron por alto. <br><br>A continuación, Shinners aborda la experiencia física de interpretar la obra: cómo practicar las figuras más incómodas, determinar las digitaciones y permitir que la forma natural de la mano ruede por cada acorde roto como los radios de una rueda de bicicleta.

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Evan Shinners

Únase a la joven promesa de Bach y artista de Yamaha Evan Shinners para una lección sobre uno de los preludios más populares del Clave bien temperado de Bach. Sus ideas holísticas le pondrán en el camino para tocar esta obra con facilidad, belleza y claridad de expresión.<br><br>Para ayudarle a evitar la fatiga en este implacable preludio, Shinners ofrece consejos sobre la elección de un tempo adecuado para cada sección, con el apoyo de un fraseo natural que se adapte al contorno melódico, la métrica y los eventos armónicos como la modulación. También comparte ideas sobre la estructura general del preludio, que va desde una figuración similar a la tocata hasta un punto pedal que sustenta un estilo más vocal que imita el discurso, el recitativo, la cadencia y el soliloquio. Incluso encuentra tiempo para hablar del interés de Bach por la numerología.<br><br>Junto a estas observaciones interpretativas, Shinners nunca deja de proporcionar recordatorios prácticos de soluciones técnicas y agrupaciones eficaces y paso a paso para ayudarle a dominar este preludio sin esfuerzo físico.

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Evan Shinners

Acompañe al especialista en Bach Evan Shinners en un repaso al alegre y enérgico Preludio en re menor, BWV 875, una de las obras más accesibles del Libro II del Clave bien temperado.<br><br>Este Preludio existe en una versión anterior, que Shinners interpreta a modo de comparación. Conocer cómo Bach actualizó y mejoró la obra puede ayudar a dar forma a su interpretación, al igual que comprender lo que el re menor representaba en Bach. Shinners ofrece una guía históricamente informada sobre cuestiones de tempo, ornamentación y articulación, y demuestra cómo coreografiar algunos de los pasajes más complicados en un piano moderno. Termina con un recorrido por la obra, desglosando los retos técnicos y musicales de cada frase.

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Frederic Chiu

As with most revolutions, Chopin's C Minor Étude, Op. 10 No. 12, begins with a crisis. Join maverick American pianist Frederic Chiu as he deconstructs the drama of Chopin's "Revolutionary" study.<br><br>For Chiu, the rapid lefthand passagework is a diversion from the true technical and musical challenge of the etude, which is capturing the rhetorical drama latent in half note motif that dominates the score. In order to inform your physical inputs, you first have to develop a conception that depicts the struggle of the half steps in both left and right hands. Then, when larger intervals are introduced (even as small as a whole step), suddenly the entire landscape is altered and new horizons emerge. The dramatic arc of the piece arrives finally in a coda tinged with defeat and withdrawal before a final last outcry brings closure to the tumultuous events.

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Frederic Chiu

Los pianistas mantienen una relación de amor-odio con los estudios de Chopin. Hermosas pero mortales, estas piezas traicioneras han sido una parte esencial de los estudios de piano durante casi dos siglos, pero ¿cuántas veces se han visto de una forma totalmente nueva? Frederic Chiu es famoso por sus interpretaciones inconformistas, y aporta este enfoque poco convencional a un conjunto de cuatro estudios: dos de los más populares y dos menos conocidos. Con la fresca perspectiva de Chiu, aprenderá a proyectar belleza lírica en el Op. 10 nº 3 ("Tristesse") e intensidad escarpada en el famoso "Estudio revolucionario" Op. 10 nº 12. En los estudios menos famosos, los nº 10 y 11, Chiu muestra cómo dominar las capas rítmicas y texturales de Chopin utilizando la técnica de la "tabla giratoria" y una táctica única con el pedal izquierdo que crea un efecto especial de alto contraste. El arte se nutre de nuevas ideas, y este provocativo curso le dará herramientas para mejorar todo lo que toque.

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Frederic Chiu

Chopin believed the melody of his E Major Étude, Op. 10 No. 3, to be the most beautiful he ever composed. Join American maverick Frederic Chiu as he explores the many layers of this multifaceted study.<br><br>For Chiu, the primary challenge of this Étude is "multitasking" to give an independent character to multiple simultaneous layers. He offers three spectrums you can control to achieve this distinction: dynamics, timing, and his trademark "surgical shift pedal" technique. After demonstrating each in turn, Chiu confronts the animated middle section, offering tips for simplifying the intricate patterns of devilish dyads. Finally, he considers the question of how to interpret the work's three-part form, providing strategies for expressing the return to the beautiful opening theme.

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Inna Faliks

Las compositoras de todas las épocas han sufrido reveses sólo por su género. Esta hermosa sonata de Clara Schumann es un buen ejemplo: aunque fue escrita en 1842, no se publicó hasta 1991. Acompañe a la aclamada pianista y profesora Inna Faliks en una exploración de lo que nos hemos estado perdiendo.<br><br>Este vídeo presenta el movimiento lento de la sonata. Aprenda a dar vida a la textura de cuarteto de cuerda con voces variadas y un hábil pedaleo, y a hacer que la melodía se eleve con digitaciones adecuadas, subdivisiones rítmicas y cantándola en voz alta. También hay una interpretación completa para que escuche cómo las ideas de Faliks se combinan armoniosamente.

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Jerome Lowenthal

En esta lección, el pianista estadounidense Jerome Lowenthal presenta el primer conjunto de cuatro Impromptus de Schubert, Op. 90 (D. 899), antes de guiarle a través del nº 1 en do menor. Esta obra, como Lowenthal demuestra con varios ejemplos, es un ejemplo de un artista que toma prestado de sus predecesores, en este caso Beethoven. <br><br> Haciendo hincapié en un enfoque narrativo, Lowenthal compara el lírico primer tema con la apertura del Tercer Concierto de Rachmaninoff. A continuación, muestra el carácter de la música a medida que se transforma y pasa al segundo tema. <br><br> Lowenthal muestra cómo la obra está estructurada en forma de cuasi-sonata, y cómo se puede dar sentido a esta inusual estructura aplicando la interpretación narrativa y desarrollando el drama. En la desafiante sección intermedia, Lowenthal le insta a amoldar su mecanismo a la música, de modo que la técnica nunca esté divorciada de la expresión. La comprensión de la métrica y el sentido de la forma de las frases ayudan a desarrollar la facilidad. <br><br> Al final, Lowenthal cita a Robert Browning - "el alcance de un hombre nunca debe exceder su alcance"- para animarle a afrontar los retos de esta obra, tanto técnicos como musicales.